Portrait du roi, portrait du président (3). Le bureau d’Emmanuel Macron

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Après deux premiers billets consacrés aux portraits de François Hollande et de Charles de Gaulle, la publication le 29 juin 2017 du portrait officiel d’Emmanuel Macron, huitième président de la Cinquième République, est l’occasion de poursuivre ces essais d’analyse de l’iconographie présidentielle française.

Figure 1. Portrait officiel du président Emmanuel Macron. Source : compte Twitter officiel d’Emmanuel Macron.

Comme il y a cinq ans, cette image a beaucoup été commentée dès sa publication. On a souligné un certain nombre d’éléments : une composition qui travaille la symétrie, l’abondance de symboles, le lieu de la prise de vue, la position du modèle, etc. La critique[1] l’emporte par ailleurs le plus souvent sur la louange[2] – jugeant notamment la photo trop posée ou l’éclairage trop peu maîtrisé.

Mais sauf pour la comparer à quelques portraits d’anciens présidents, ces réactions médiatiques se cantonnent le plus souvent à des analyses en synchronie – c’est-à-dire qu’elles examinent l’image dans sa contemporanéité, sans prendre en compte son épaisseur historique. J’aimerais quant à moi m’intéresser à ce portrait en suivant cette idée, au fond assez simple et banale, que notre œil n’est jamais vierge : nous regardons toujours une image avec en tête, plus ou moins consciemment, d’autres images qui nous servent de points de repère et de comparaison et qui nous aident à la comprendre et à l’apprécier. C’est en s’intéressant aux éléments de rupture ou de continuité vis-à-vis de ces « pré-images » qu’on peut essayer de mieux cerner le fonctionnement de ce portrait. Or, avec le portrait d’Emmanuel Macron, un détail me frappe particulièrement, et me semble appeler à commentaire : c’est le rôle du bureau.

Un nouveau lieu du pouvoir présidentiel : le bureau

C’est en effet la principale innovation par rapport aux portraits de ses prédécesseurs : le choix du lieu qui sert de décor. Ici, c’est le bureau présidentiel, situé au premier étage du palais de l’Élysée[3]. Il s’agit d’une première dans l’histoire des portraits officiels des présidents de la Cinquième République, qui avaient jusqu’à présent préféré la bibliothèque (Charles de Gaulle, Georges Pompidou, François Mitterrand et Nicolas Sarkozy), la terrasse du palais (Valery Giscard d’Estaing) ou encore les jardins (Jacques Chirac et François Hollande).

Cette innovation est cependant moins une rupture qu’une manière de dialoguer avec les photographies officielles des prédécesseurs d’Emmanuel Macron. S’il s’agit bien d’une photo en intérieur, comme pour Mitterrand et Sarkozy, la présence du ciel et des nuages à l’arrière-plan, vus depuis la fenêtre ouverte derrière le bureau, fonctionne comme un effet de citation des portraits de Chirac et de Hollande. Montrant à la fois l’intérieur et l’extérieur du palais présidentiel, l’image propose une forme de synthèse dont l’intérêt politique paraît assez évident pour un président revendiquant un positionnement centriste.

Tant d’objets à voir

La première conséquence du choix d’un tel décor, c’est qu’il permet très concrètement de montrer un certain nombre d’objets qui occupent la table de travail. La position du modèle semble le souligner, d’ailleurs assez littéralement : le président « s’appuie » sur ces objets, qui semblent à la fois outils et témoins de son labeur quotidien.

Or la présence même de ces objets me frappe. Pris chacun individuellement, ce sont des objets plutôt banals, qui appartiennent au quotidien du travail de bureau. Tous semblent avoir une fonction symbolique précise, qu’il est d’ailleurs a priori plutôt facile de décrypter : les livres pour marquer l’attachement à la culture[4], la pendule pour rappeler que le personnage aime à se décrire comme le « maître des horloges », une figurine de coq comme symbole plus large, et peut-être aussi plus populaire, d’une France qui ne se réduit pas à son histoire républicaine traditionnelle[5] – ce n’est qu’une hypothèse –, sans oublier les deux smartphones qui témoignent de la modernité du nouveau président. Cette manière de presque saturer la composition d’une image par une multitude d’objets dotés d’une forte charge symbolique m’évoque Le prêteur et sa femme (1514) de Quentin Metsys. Dans ce tableau comme dans le portrait d’Emmanuel Macron, chacun de ces objets, apparemment anodin, est porteur d’un sens symbolique secondaire, qui donne au tableau une valeur morale, orientée vers l’allégorie ou la vanité[6].

Figure 2. Quentin Metsys, Le prêteur et sa femme, 1514, huile sur panneau, 71 sur 68 cm, Paris, Musée du Louvre. Source : Wikipédia.

Mais ce qui m’intéresse plus, c’est comment l’on peut considérer dans leur ensemble ces objets et ces éléments de décor. Comment, en d’autres termes, l’ensemble de ces éléments peut avoir un sens que ne résume pas la simple addition de leurs significations individuelles.

Le bureau comme attribut du pouvoir

Même si l’on ne s’en rend pas forcément compte à première vue, les éléments de mobilier présents dans le portrait d’Emmanuel Macron ne sont pas tout à fait anodins. Les courbes et le bois précieux du bureau sur lequel s’appuie le président, tout comme les dorures de la fenêtre de l’arrière-plan, appartiennent à une décoration intérieure de style Louis XV, qui est caractéristique des bâtiments dans lesquels le pouvoir politique s’exerce en France. Au point que ces motifs rococos du mobilier de luxe du xviiie siècle, qui se retrouvent dans tous les anciens hôtels particuliers occupés par les ministères – ce que l’on appelle couramment les « palais de la Républiques » – sont devenus naturels dans la mise en scène du pouvoir en France. C’est par exemple ce décor que choisit l’un des principaux conseillers de Manuel Valls, alors Premier ministre, pour illustrer son compte Twitter :

Figure 3. Capture d’écran du profil Twitter d’Harold Hauzy, conseiller en communication du Premier ministre Manuel Valls. Source : photo personnelle prise le 13 mai 2016.

Si ce mobilier n’est pas au tout premier plan dans le portrait d’Emmanuel Macron, il est tout de même assez présent, et son importance est loin d’être nulle. À cet égard, c’est un élément qui nuance fortement les velléités de modernité du portrait – ou qui les équilibre, suivant le point de vue adopté. Il est en tout cas frappant de voir que l’iPhone, cet emblème d’une manière de gouverner qui se veut moderne, se marie ici très bien avec l’acajou du bureau Louis XV.

Figure 4. Portrait officiel d’Emmanuel Macron – détail.

Le serviteur de l’État à sa besogne

S’il s’agit d’une innovation concernant les portraits de présidents, la mise en scène de soi des puissant·e·s[7] en présence d’un meuble de bureau n’est pas pour autant nouvelle. En l’occurrence, ce portrait m’en rappelle un autre, représentant Charles-Alexandre de Calonne, contrôleur général des finances[8] de Louis XVI de 1783 à 1787. Il est peint par Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun en 1784, soit peu de temps après la nomination de Calonne[9]. On peut raisonnablement penser que ce tableau, tout comme le portrait présidentiel, vise à présenter au public une image positive de l’homme d’État qui puisse légitimer sa position et son autorité. Dans les deux cas, le bureau tient une place essentielle dans la composition de l’image.

Figure 5. Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun, Portrait de Charles-Alexandre de Calonne, 1784, huile sur toile, 155,5 sur 130,3 cm, Londres, The Royal Collection. Source : Wikipédia.

Le ministre semble interrompu en pleine séance de travail, assis devant son bureau encombré de plumes, d’encriers et de liasses de dossiers. Parmi cet amas de papiers on distingue un projet d’édit établissant une caisse d’amortissement ; c’est à la fois une manière d’évoquer sa principale mission – régler la crise financière de l’État – et de montrer sa force de travail. Le billet qu’il tient en main, à l’adresse du roi, ainsi que le cordon de l’ordre du Saint-Esprit qu’il porte en bandoulière, symbolisent quant à eux la proximité avec le monarque.

Figure 6. Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun, Portrait de Charles-Alexandre de Calonne, détail.

On retrouve ainsi dans le tableau les deux sources fondamentales de l’autorité du ministre : ses propres compétences d’homme d’État et la protection royale. J’ajouterais un détail, qui personnellement m’enchante : les traces blanches sur les épaules de Calonne. Manière peut-être pour l’artiste de rappeler l’artifice et la mise en scène au fondement de ce pouvoir en représentation, qui nécessite des pigments de couleur pour en produire la peinture, et de la poudre de riz pour teindre les perruques.

Ce portrait de Calonne est assurément celui d’un puissant serviteur de l’État – c’est bien là le sens étymologique du ministre (en latin, minister) –, mais il me paraît ne pas du tout entrer dans la catégorie des « portraits du roi[10] ». Le roi, bien qu’il ait lui aussi un bureau[11] et qu’il accomplisse l’essentiel de son travail dans un cabinet[12], n’est jamais représenté dans cette posture. Les objets qui l’entourent ne sont pas des plumes ou de l’encre, mais une couronne, un sceptre et une main de justice – ce que l’on appelle les regalia, les objets qui symbolisent la royauté. On ne fait pas le portrait du roi dans son cabinet, puisque le roi n’a pas besoin de travailler ou de justifier de son autorité pour l’incarner.

Figure 7. Portrait officiel du second mandat de Barack Obama (2012-2016). Sources : Wikipédia.

Portrait républicain d’un président ?

Étonnamment, en comparant les portraits de Calonne et d’Emmanuel Macron, je me rends compte que c’est la première fois qu’un président de la République est sur ce point en rupture avec le modèle du portrait du roi.

En mettant en scène ce bureau rempli d’objet, l’objectif du cliché était certainement de répondre à un copieux cahier des charges symbolique, et l’on peut discuter de sa réussite ou non sur ce plan. L’idée était probablement aussi de moderniser ce genre très convenu du portrait présidentiel, probablement en s’inspirant du modèle américain – on a beaucoup évoqué le président américain Barack Obama, posant tout sourire devant son bureau pour la photographie officielle de son second mandat. De fait, il n’est pas impensable que le public d’une république supposément démocratique ne se contente plus d’un vieil imaginaire monarchique, considérant que le pouvoir n’aurait besoin que de se manifester pour se légitimer. Peut-être peut-il s’agir ici d’une forme de réponse à la contradiction intrinsèque de la Cinquième République, qui se veut régime démocratique tout en se fondant sur l’incarnation de l’autorité politique par une figure individuelle. De la part de celui qui se revendique d’une présidence « jupitérienne » et pour qui la figure du roi est importante, on peut toutefois juger cela assez étrange.

Dans tous les cas, en inscrivant l’image emblématique de son mandat dans une généalogie iconographique qui la rapproche plutôt du portrait du ministre que du portrait du roi, Emmanuel Macron a opéré une rupture dont on n’a peut-être pas conscience à première vue. Démonstration que la manipulation des images et des symboles est bien souvent un exercice plus ardu qu’on ne le pense.

 

Maxime Triquenaux

Août 2017

Je remercie chaleureusement Cécile Thomé pour sa relecture de ce billet.

 

NOTES

[1] Par exemple dans Libération, dans un article particulièrement riche d’Isabelle Barbéris,

[2] Par exemple dans Le Figaro, sous la plume du consultant en communication Jacky Isabello, ou dans la Nouvelle République, sous la plume du sémiologue Pierre Fresnault-Deruelle.

[3] Cette décision correspond aussi au choix d’un nouveau bureau à l’intérieur même du palais, puisqu’il semble qu’Emmanuel Macron ait voulu délaisser le traditionnel « Salon doré », qui sert de bureau officiel au président depuis De Gaulle. Le nouveau bureau – qui était déjà celui choisi par Valery Giscard-d’Estaing – est situé dans un salon d’angle, plus spacieux, et doté d’une vue sur le parc. Source : France Info.

[4] Dont on peut supposer que le choix ne laisse rien au hasard : les Mémoires de Charles de Gaulle, ouverts sur le côté gauche, dans l’édition de la Bibliothèque de la Pléiade – inscription dans l’histoire de la Cinquième République –, un volume des œuvres de Stendhal, contenant en particulier Le Rouge et le Noir – soit un roman racontant l’ascension sociale d’un jeune provincial ambitieux – et un autre de Gide, contenant Les Nourritures terrestres. Je sèche un peu sur le choix de ce dernier, toute hypothèse est par conséquent la bienvenue !

[5] Voir Michel Pastoureau, « Le coq gaulois », in Pierre Nora (dir.), Les lieux de mémoire, Paris, Gallimard, coll. « Quarto », 1997, p. 4297-4319. L’illustration qui accompagne l’article fait d’ailleurs observer que c’est le même emblème qui donne son nom à la « Grille du Coq » servant aux visites discrètes à l’Élysée. Manière de professer une forme de « machiavélisme » et d’habileté dans l’exercice du pouvoir, ou du moins d’accepter sa part dans la fonction de président ?

[6] Pour en savoir plus sur sa symbolique, on peut tout simplement lire l’article Wikipédia sur ce tableau, particulièrement bien fait.

[7] Des hommes, principalement – mais pas seulement : je pense d’ailleurs en particulier au Portrait en pied de la marquise de Pompadour, pastel de 1752-1755 réalisé par Maurice-Quentin de la Tour et qui se trouve au Louvre, représentant la maîtresse de Louis XV assise à son bureau, entourée de partitions, de cartons à dessins et de volumineux volumes de l’Encyclopédie et de L’Esprit des lois.

[8] L’équivalent d’un ministre des Finances, et à l’époque le ministre le plus important du cabinet royal.

[9] Voir la notice du tableau dans Xavier Salmon et Joseph Baillio (dir.), Élisabeth Louise Vigée Le Brun, Paris, Éditions de la Réunion des musées nationaux – Grand Palais, 2015, p. 163.

[10] Voir Louis Marin, Le Portrait du roi, Paris, Éditions de Minuit, coll. « Le sens commun », 1981. Voir aussi mon précédent billet sur la question.

[11] Louis XV se fait ainsi fabriquer bureau à cylindres extrêmement sophistiqué, qui figure aujourd’hui parmi les collections du château de Versailles et qui est peut-être l’un des plus luxueux meubles du monde. Voir notamment l’article Wikipédia (de bonne qualité) sur ce sujet.

[12] Pour le cas de Louis XIV, voir notamment Joël Cornette, La mort de Louis XIV. Apogée et crépuscule de la royauté (1er septembre 1715), Paris, Gallimard, coll. « Les journées qui ont fait la France », 2015.

Le rose et le bleu, ou Comment peindre une maîtresse royale ?

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Parmi les nombreux portraits de Mme de Pompadour, il en est un que j’aime tout particulièrement : il s’agit d’une toile peinte par François Boucher et datée de 1758, qui se trouve aujourd’hui dans les collections du Harvard Art Museum, à Cambridge, Massachussetts.

Si je cherche à expliquer pourquoi j’aime ce portrait, je ne trouve pas mieux à dire que ceci : je le trouve très réussi. Pas du tout parce qu’il serait plus esthétique ou plus ressemblant, mais parce qu’il exprime selon moi particulièrement bien toute la subtilité de la position de son modèle. Celle d’une femme détentrice d’un pouvoir tout à fait particulier, que l’on appelle une maîtresse royale.

Figure 1. François Boucher, Portrait de madame de Pompadour à sa toilette, 1758, huile sur toile, 81,2 cm sur 64,9 cm, Cambridge (Massachusetts), Harvard Art Museum / Fogg Museum.

De toutes les maîtresses royales, Mme de Pompadour fut certainement celle qui comprit le mieux les enjeux de la représentation comme fonction politique, et qui sut le mieux s’en servir pour affermir sa position. Celle qui parvint à garder les faveurs de Louis XV pendant plus de vingt ans – et dont l’influence politique fut dénoncée par de multiples pamphlets[1] – se distinguait notamment par son goût pour les arts et par l’attention qu’elle prêtait à son image publique. L’articulation de ces deux intérêts se manifeste avec éclat dans la quantité de portraits d’elle-même qu’elle fit exécuter par les plus grands peintres du royaume[2].

La date de la composition de ce tableau n’est pas anodine. Elle correspond à une époque crépusculaire pour Mme de Pompadour. Elle est alors âgé de trente-sept ans, c’est-à-dire un âge assez avancé pour une maîtresse royale. Depuis plusieurs années, elle souffre d’affections gynécologiques chroniques qui l’affaiblissent continuellement et elle ne partage plus vraiment le lit du roi. Sa santé devient si fragile qu’elle a rédigé son testament l’année précédente[3]. Si elle souhaite conserver sa position, elle doit donc réaffirmer, aux yeux de la Cour et du public – et peut-être aussi de son royal amant – sa position de favorite en titre. Tel est selon moi l’objectif de ce portrait.

De forme ovale[4], le tableau représente Mme de Pompadour à sa toilette (Fig. 1). Vêtue d’une robe à dentelles et rubans, elle en train de se passer de la poudre sur le visage lorsque le peintre la saisit. Assise à une table et devant un miroir, elle jette un regard direct sur le public. Un bracelet est accroché à son poignet, avec un camée à l’antique représentant Louis XV (Fig. 2). Ce détail rappelle à qui pourrait en douter qu’il s’agit bien là du portrait de la favorite en titre, et c’est précisément la fonction de ce tableau que de souligner cette faveur. C’est en cela qu’il est, comme les portraits des reines, plus que la représentation d’une simple particulière : il a lui aussi à voir avec la représentation d’une femme de pouvoir, mais d’un pouvoir particulièrement sulfureux et scandaleux. Et il est d’ailleurs possible de voir dans cette image une subtile représentation de ce qu’est une favorite royale, et du problème qu’une telle figure peut poser dans l’association de l’érotique et du politique[5].

Figure 2. François Boucher, Portrait de madame de Pompadour à sa toilette, détail.

C’est notamment le traitement symbolique de deux couleurs qui me paraît ici important : le rose et le bleu.

Bien que le rose ne soit pas encore, à l’époque, strictement associé au féminin[6], sa configuration dans le tableau laisse penser qu’il est bien ici un symbole du principe de séduction : avec les rubans qui décorent la tenue de la marquise et qui semblent reprendre la teinte de la poudre de maquillage que la marquise dépose sur ses joues, le rose occupe l’espace central du tableau, s’associant à l’idée du paraître et de la séduction.

Ces éléments de couleurs roses sont encadrés, en haut et en bas, par les fleurs bleues de la coiffure et les rubans posés sur la table, de la même couleur. Ceux-ci rappellent la décoration de l’Ordre du Saint-Esprit, qui orne les poitrines des personnages royaux –  comme on le voit par exemple avec les rubans portés par le dauphin et le duc de Normandie sur un tableau de Vigée-Le Brun (1755-1842) représentant Marie-Antoinette et ses enfants (Fig. 3). On observe que la répartition sur le tableau de ces deux couleurs semble particulièrement signifiante. Tout indique en effet une sorte de mélange ou d’entremêlement entre ces couleurs, qui indiquerait une forme de mouvement entre ces deux principes. Comme si Boucher avait voulu représenter la circulation entre la séduction et le pouvoir, entre la figure associée à l’érotique et celle associée au politique. C’est-à-dire, en dernière analyse, l’essence même de l’autorité d’une maîtresse royale : sa capacité à agir sur le désir sexuel du monarque.

Figure 3. Élisabeth Louise Vigée-Le Brun, Marie-Antoinette et ses enfants, 1787, huile sur toile, 275 sur 215 cm, Versailles, Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.

Vu sous cet angle de la représentation du pouvoir, le tableau s’éclaire quelque peu. D’autant plus que de nombreux détails semblent s’articuler à cette problématique. Pourquoi le portrait du roi se retrouve-t-il ainsi mis en abyme avec celui de sa favorite ? Pourquoi le camé est-il entouré de rose, comme encerclé littéralement par Éros ? Est-ce la décoration du Saint-Esprit qui devient un accessoire de la mode féminine, ou bien à l’inverse le ruban féminin qui se transforme en médaille ? Il s’agit bien là d’une image du pouvoir, mais d’une image non-institutionnelle, qui ne passe pas par les canaux, les méthodes et les motifs de la pompe royale officielle, et qui représente une dimension problématique et contestable d’un pouvoir indistinct et scandaleux, celui d’une femme non souveraine et non dynaste, qui ne tient précisément son influence que de sa seule féminité.

En faisant ainsi représenter à la fois le fondement de sa puissance politique (sa relation avec le roi) et celui de sa puissance érotique (sa beauté), madame de Pompadour incarne ici une certaine forme de pouvoir féminin qui ne pouvait manquer d’inquiéter le système patriarcal. Mais dans le même temps, son portrait prend bien garde de signifier l’origine de cette puissance dans sa proximité au monarque, symbolisée par le camée porté au poignet. De la sorte, le portrait marque bien la prééminence royale. En dernière analyse, l’autorité suprême de Louis XV est parfaitement respectée. Le portrait joue avec les ambiguïtés du statut de la favorite, tout en réaffirmant sa soumission au souverain.

Toute la réussite du portrait réside à mon sens dans l’expression si subtile de cet entre-deux[7]. Mme de Pompadour ne peut se permettre d’être représentée comme une reine de France ; elle ne peut se faire représenter en présence des regalia[8], emblèmes officiels du Corps sacré du roi. Pour autant, elle peut réaffirmer sa position en rendant subtilement visible la source de son autorité : le corps charnel du souverain. Il suffit pour cela au peintre de quelques rubans roses et bleus.

Maxime Triquenaux

Août 2017

Je remercie chaleureusement Lucy Michel et Cécile Thomé pour leur relecture de ce billet.

[1] Sur le vaste corpus pamphlétaire visant Mme de Pompadour et sur les manœuvres politiques que dissimulaient les mauvais propos sur la favorite, voir Robert Darnton, L’Affaire des Quatorze. Poésie, police et réseaux de communication à Paris au XVIIIe siècle [2010], trad. Jean-François Sené, Paris, Gallimard, coll. « NRF essais », 2014.

[2] Pour un aperçu plus complet sur ce corpus iconographique, voir Elise Goodman, The Portraits of Madame De Pompadour. Celebrating the Femme Savante, Berkeley et Los Angeles, University of California Press, 2000.

[3] Elise Goodman-Soellner, « Boucher’s “Madame de Pompadour at Her Toilette” », Simiolus: Netherlands Quarterly for the History of Art, 1987, vol. 17, no1, p. 41.

[4] Cette forme ovale n’est par ailleurs probablement pas d’époque, mais proviendrait d’un redécoupage de la peinture, originellement rectangulaire, opéré au début du XIXe siècle. Voir Ibid.

[5] Ewa Lajer-Burcharth observe par ailleurs que la toilette, dans les pratiques de la cour versaillaise, est un moment traditionnel de sociabilité quasi ritualisé, le presque équivalent pour le maîtresse du lever du roi. Le choix de ce motif pictural semble donc tout à fait pertinent dans un tableau qui cherche à rappeler le statut de la favorite royale. Voir Ewa Lajer-Burcharth, « Pompadour’s Touch: Difference in Representation », Representations, 2001, vol. 73, no1, p. 71. Cet article propose une analyse différente – quoique non excluante – de ce tableau, en soulignant plutôt la profonde implication de Mme de Pompadour dans la création de ses portraits.

[6] Dans un entretien, Michel Pastoureaux précise que c’est au XVIIIe siècle que le rose a acquis une symbolique genrée « de la tendresse, de la féminité » (Michel Pastoureau et Dominique Simmonnet, Le petit livre des couleurs, Paris, Points, 2007, p. 115. Malheureusement, je ne connais pas de référence plus précise sur la question, et je suis preneur de toute suggestion). La configuration de cette couleur dans le tableau et son association explicite avec le cosmétique rendent toutefois raisonnable l’hypothèse de son association au principe de séduction.

[7] Il est probable que les portraits de Mme de Pompadour, de même que sa mainmise sur l’organisation de spectacles et de pièces de théâtre à Versailles, participaient d’une stratégie plus ou moins réfléchie de contrôle et d’utilisation des outils de propagande à l’intérieur de la Cour. Sur ce sujet, voir Thomas E. Kaiser, « Madame de Pompadour and the Theaters of Power », French Historical Studies, 1996, vol. 9, no4, p. 1025-1044.

[8] La couronne, le sceptre ou encore la main de justice, tous ces symboles traditionnels du pouvoir royal.